Magnificencia de los zares

Magnificencia en la moda del zar de Rusia

Hasta los últimos días de marzo se presenta en el Museo Victoria y Alberto de Londres una selección de joyas, accesorios y prendas procedentes del Museo del Kremlin en Moscú. Se trata de una exposición cuyo argumento sirve para analizar la relación de la vieja Rusia con su pasado y con Europa, a través de dos siglos de vestuario masculino de Corte.
Las variadas modas y formas de vestido en las Cortes europeas a lo largo de la historia sirven para conocer los cambios culturales y políticos de las distintas épocas. Las colecciones textiles como la presente y los retratos de grandes personajes en solitario o en escenas de pintura de historia, nos sirven de arqueología del gusto y la moda, siendo no sólo catálogos de cosas bellas, sino también fuentes de conocimiento de la historia y la sociología.
En la muestra londinense, se archiva el gusto de varios emperadores rusos, al exhibir objetos y ropas datados entre 1720 y 1917.
Se hace especial referencia al vestido en época de Pedro el Grande en cuyo reinado se produjo la apertura de Rusia hacia el resto de los países europeos. Pedro I (1682-1725) introdujo numerosas instituciones y prácticas occidentales en el país. Sus reformas alcanzaron al vestido dando en sustituir la ortodoxia tradicional del traje tardomedieval ruso por los llamados estilos sajón o francés de casacas y chalecos realizados en ricas telas y profusión de bordado.
Se hace notar la fascinación de los sucesivos emperadores por el atuendo militar. Pablo I, hijo de Catalina la Grande y Pedro III, cuando subió al trono en 1797, tras el larguísimo reinado de su madre, diseñó él mismo el uniforme que habría de llevar en la ceremonia, haciendo unas variaciones sobre el uniforme prusiano. Al día siguiente de su coronación todos los regimientos imperiales se adaptaron a la nueva moda impuesta y diseñada por el emperador ,quien influyó además en el uso cotidiano del uniforme por parte de Jorge IV en el Reino Unido y del propio Bonaparte.
Tras el asesinato de Pablo I, su hijo Alejandro I subió al trono y rediseñó toda la guarnición militar. Se cuenta que el propio emperador pasaba horas rodeado de todos los uniformes de los distintos ejércitos haciendo modificaciones en botones, cortes, accesorios e incluso, ¡en las formas de los bigotes de los soldados!
El hermano de Alejandro I, Nicolás I, le sucedió y a éste le sucedió su hijo Alejandro II. Ambos eran generales que participaron en conflictos como las invasiones napoleónicas o la guerra de Crimea. Ellos también subrayaron la posición del emperador como jefe ejecutivo militar del imperio al ser coronados vistiendo uniformes. El uniforme de Alejandro I seguía el estilo del pasado. Sin embargo, en los uniformes de su hijo Alejandro II se introdujeron numerosos cambios tendentes a la simplicidad y comodidad.
Luego, a finales del siglo XIX, Alejandro III hizo variaciones en estilo nacionalista ruso del viejo uniforme de aires prusianos. El último de los zares, Nicolás II, tuvo, tal y como recogió la prensa de la época, la más brillante ceremonia de coronación nunca vista y lució asimismo un nuevo estilo de uniforme militar.
Todos los trajes de los emperadores junto a los vestidos del personal de la corte pueden verse en la exposición. Además, hay una sección dedicada al sombrero de la época, a los trajes de estilo europeizante de Pedro II y a los trabajos y bordados en plata u oro.
El atuendo masculino actual toma sus orígenes del uniforme militar, es pues interesante conocer la evolución del traje castrense en una de las culturas más refinadas, la de la Vieja Rusia.

Román Padín Otero

31 de enero de 2009 en el correo gallego, á la vieille russie!!

Cgac Santiago, arte años setenta

En Santiago expo años setenta, con Chiu Longina, con Roberto González Fernández, 20:00 viernes 30 enero

Marco de Vigo, Pedro Barateiro

En el Marco de Vigo, expo de Pedro Barateiro en el anexo y la muestra colectiva "En cualquier lugar en ningún lugar" 30 de enero 14:00 horas

Fundación RAC, Luisa Lambri

En Pontevedra, la Fundación Rac presentó las fotos de Luisa Lambri, jueves 29 ene 8p.m.

VOGUE Rocks

VOGUE Rocks

Hasta los primeros días de febrero se expone en el Museo del Traje de Madrid una colección de fotografías sobre las más bellas joyas del mundo. Un catálogo de creaciones fechadas desde los años veinte del pasado siglo hasta nuestros días.
Bajo el título Vogue Rocks, la muestra recoge una gran selección de obras maestras de la fotografía de moda que fueron publicadas por el grupo editor de Vogue, Conde Nast, en las últimas décadas. Se trata de una magnífica ensoñación en torno a las variaciones compositivas con diamantes y otras gemas. Abalorios de valor incalculable a los que Marilyn llamaba "los mejores amigos de una chica".
Collares de inspiración hindú con piedras verdes como peridotos o esmeraldas, combinados con prismas rojos como rubís o turmalinas, comparten espacio con joyas de estilo art decó. Grandes brazaletes con formas surrealistas se mezclan con pendientes que imitan a las flores exóticas como las orquídeas. Grandes anillos cuajados de pequeños brillantes negros u otros tan solo habitados por los llamados ice cubes o brillantes talla esmeralda de muchos quilates, llenan los dedos de las más bellas modelos.
En la exposición se pueden ver fotografías de Cecil Beaton, muy célebre por sus retratos de la Familia Real británica y por sus escenografías para el musical My fair lady, entre otros muchos trabajos. También hay retratos de damas con joyas firmados por Jean ­Loup Sieff, muy conocido por sus retratos de Yves Saint Laurent. Hay instantáneas clásicas de la época del glamur firmadas por Irving Penn o Richard Steichen y otras que se circunscriben en la estética de la cultura de club, firmadas por Terry Richardson. Entre las propuestas estéticas más provocadoras de estos creadores se encuentran los bodegones de joyas sobre cuerpos desnudos o naturalezas muertas, firmados entre otros por Helmut Newton o Steven Meisel. Hay retratos de bellezas de ébano como Naomi Campbell enjoyada para matar. O primeros planos de manos y labios que se muestran opulentamente enjoyados mientras degüellan pollos, cortan carne magra o se entretienen degustando bocados que parecen palpitar envueltos en sangre. Es una forma iconoclasta de mostrar algunas de las más increíbles joyas del mundo sobre los cuerpos de las maniquís más sensuales.
Entre las musas que aparecen en las fotografías se puede hacer un catálogo de los arquetipos de belleza a lo largo del siglo, recorriendo un camino que desemboca en la voluptuosamente bella Mónica Belluci o la andrógina Uma Thurman y que pasa por Charlotte Rampling en los ochenta o María Félix en los años sesenta. La actriz y diva mejicana fue además de una excelente intérprete de papeles inolvidables en el celuloide, una gran amante de las joyas. Para ella se hicieron entre otros los abalorios con forma de serpiente y de lagartos en Cartier, además de otros conjuntos formados por collar con pendientes de inspiración hindú. Entre sus preferidos, los broches con forma de rana de origen chino y las pulseras hechas por Tane con significados autobiográficos que refieren al puma, a la película María Bonita y a su pueblo natal.
En esta exposición vemos a las más bellas mujeres envueltas en los destellos de las rocas más valiosas del planeta. La moda atemporal en clave de joyería.

Román Padín Otero

I´ve published este artículo sobre la exposición de fotografía de joyas que hay en el Museo del Traje de Madrid...all that glitters! En el correo gallego, Stern, Cartier, Harry Winston...give them all to me!!

Body Language

Body languaqe
Una amplia retrospectiva analiza el cuerpo como material de trabajo artístico. Se trata de una reflexión colectiva en vídeo y perfomance sobre la identidad y la individualidad en el arte desde los años sesenta.
Vídeo, performance. Varios artistas. Centro Huarte. Del 1 de noviembre al 1 de febrero de 2008

Bajo el título “I am making art: Cuatro estudios sobre el cuerpo del artista”, el Centro de Arte Contemporáneo Huarte presenta una muestra colectiva sobre la interpretación del cuerpo como soporte de expresión artística.
La exposición permite el redescubrimiento de obras seminales del arte combativo y de tesis de los años sesenta. Creadores axiales como Marina Abramovic, Ana Mendieta, Gilbert&George, Vito Acconci, Frabrice Gygy, Sigalit Landau, Grace Ndiritu, Hayley Newman, Yoko Ono, Adrian Pipper y Salla Tykka son puestos nuevamente en valor bajo la lectura de los ojos hipermodernos del visitante del siglo XXI.
El título de la muestra se toma prestado de un vídeo de John Baldessari del año 1971 en el que se contempla con tono humoresque cómo los artistas de los años sesenta a
finales y los primeros setenta, exploraron los extremos del uso del cuerpo como medio de lenguaje artístico. En la exposición se ponen en yuxtaposición obras clásicas del arte preformativo de hace varias décadas con otras más recientes. En varios capítulos temáticos se analiza la ductilidad del cuerpo como soporte del arte por sí mismo.
En el primer capítulo de “lo ritual”…transgresión, resistencia y riesgo se conocen los límites psíquicos y físicos del cuerpo como instrumento del arte.
En un segundo estadio con “el proceso”…la repetición y la duración se conocen nuevos significados creacionales implícitos en las acciones repetitivas.
En el capítulo de “identidad”…y transformación se explora la mirada del otro y la alteridad.
En el capítulo de “el feminismo” se conoce la presencia crucial de la mujer artista desde los años sesenta y su puesta en el rol de artista activa que hasta esa época era un rol de género eminentemente masculino. Una circunstancia que el peso de la realidad hace cambiar y el arte con los artistas se encargan de espolear.
No es nueva la utilización del cuerpo como medio de expresión artística pero si lo es la relación del cuerpo como instrumento artístico y las reivindicaciones sociopolíticas inherentes al arte desde los años sesenta. En un principio es la danza el campo de expresión artística que emplea el cuerpo como soporte. El baile emplea el cuerpo del bailarín como instrumento que hay que afinar y poner a punto para que ejecute correctamente la dicción de la obra. Figuras legendarias como Isadora Duncan o los bailarines de los Ballets Rusos escribieron páginas axiales en el arte combativo del empleo del cuerpo como medio de expresión artística. Pues antes de ellos quizás el cuerpo era un bello instrumento pero no uno de contenido político y beligerancia ideológica.
La denuncia de la libertad para el cuerpo clamada por la Duncan o la puesta en la escena de nuevos movimientos cercanos al gesto de la cópula por bailarines como Nijinsky de los Ballets Rusos, pueden verse como antecedentes del arte preformativo y combativo del activismo de los años sesenta y setenta, la época sobre la que pivota esta exposición.
Antes de los visionarios bailarines del siglo XX y sus continuadores en forma de vídeo creadores y prefomers de los años sesenta el cuerpo como alteridad se puede recordar en algunos maestros del arte. Los autoretratos sinfín de Rembrandt son muestra del autoanálisis del artista hacia sí mismo. Lo mismo que los curiosos retratos de Durero quien hace estudios de anatomía de su propio cuerpo y retratos en los que se aparece como un personaje que se cuestiona su propia identidad. En estos dos casos el elemento del cuerpo del artista toma forma esencial como temática de la obra misma, son pues antecedentes de esta visión libertaria del cuerpo experimental en los años sesenta del siglo XX.
Entre las obras fascinantes que se pueden ver la exposición se encuentra le celebrada escultura cantante de los creadores Gilbert & George. “The singing esculpture” reúne en ella varias de las características globales de los epígrafes de esta exposición. En ella el soporte videográfico sirve para apoyar en el recuerdo la realización de diversas acciones en otras tantas galerías, espacios de arte y espacios públicos por parte de la pareja de artistas británicos. Quienes luego habrían de ser unos creadores de murales fotográficos realizados con puzzles a partir de imágenes de su iconografía peculiar hacen en esta indiciaria obra una performance musical y de gesto. A lo largo de su carrera muchas han sido las variantes que han hecho sobre la idea de dualidad. Esta pieza inicia ese efecto de imprimación de imagen contra ella misma, es el artista reflejado en el espejo de otro que es semejante, parejas de iguales, cuerpos iguales.
El vídeo como género de las artes transexualizado sirve para albergar la no canción, no danza, no pintura de la pareja. Es destacable que si visionarias resultan las acciones de performance como del G&G, tanto o más lo es el hecho de que sobre ellas se guarde record fílmico. Pues a partir de esos años sesenta se comienza a emplear el film como medio de expresión de obra de arte. Luego en los ochenta, el vídeo haría irrupción en la escena musical con la MTV y en el taller de los artistas, para servir entre otra funciones de archivo de acciones efímeras como esta de G&G.
En la pieza, una radio emite una canción que ellos vocalizan, mientras se mueven con lentitud robótica, la misma que habrían de mantener en el resto de su vida como artista y su cuerpo aparece recubierto de pintura dorada como si la piel fuese el lienzo. En ocasiones más frívolas como la película Goldfinger, el oro cubrió el cuerpo. En el film de James Bond con naturaleza letal y erótica. En la pieza de Gilbert & George, para dar vida a la performance y la transgresión de tiempo, estética, valor del concepto del lujo, repetición y evanescencia del gesto del cuerpo en el arte. Los dos maestros parecen mantener la curiosa mirada y se preguntan “Am I making art?”
Román Padín Otero

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Arquitectura xa!

To-day en Faro de Vigo, arquitectura de hoy en Galicia sobre edificios revisitados.Román Padín

Rodin et la matin á Bilbao

J´adore Bilbao, ses jardins, ses musées, les bilbainos et Rodin! á la Gran Vía. Edu, Ianko, Ego y les sites...the Sheraton´s pool on the 6th floor

La bande de l´art chez Eduardo at Artium

la bande parisienne chez Villa Edu et plus

At Artium chez Edu, lui même et ses animaux, Jean Pierre, Patxi, Christoff, Mikel, Ignacio,Hermanno et deux grandes dames!

Eduardo Sourrouille´s opening in Artium

At Vitoria´s Artium chez Eduardo Sourrouille, Román, Elsie, Edu, Ángel, Carmina, Ianko, Miguel Ángel, Miriam...vive la fête!

Hussein Chalayan y otros artistas

Hussein Chalayan y otros artistas
El Design Museum de Londres dedica una exposición monográfica al modisto Hussein Chalayan. Se trata de la primera gran retrospectiva dedicada al diseñador cuyo universo gravita entre la escultura, la tecnología y la moda. Este diseñador de origen chipriota se trasladó de niño a Londres, donde en el año 1993 se graduó en el Central Saint Martin's College of Art and Design.
La colección que presentó como proyecto final de estudios sirvió de obertura al estilo característico de este creador, que se apoya a partes iguales sobre lo listo para llevar y la tecnología aplicada al arte. Se trataba de una serie de prendas que enterró en su jardín para saber cómo evolucionaban y envejecían los tejidos bajo la tierra. Todas las piezas de la colección fueron adquiridas por la conocida tienda Browns, el escaparate londinense donde se dan a conocer los grandes nombres de la moda brit, entre otros el propio John Galliano.
Tras la primera exitosa incursión en la investigación aplicada a la moda, Chalayan no ha dejado de sorprender colección tras colección, presentando, estructuras rígidas que sirven de vestido coraza y llevan incorporados mecanismos móviles. Faldas realizadas en círculos concéntricos que se pliegan como un abanico. Vestidos cuajados de cristales Svarovski y luces automáticas. Camisas que parecen arrastradas por el viento o cazadoras que cubren el rostro dejando el pubis al desnudo. Además Chalayan es el director creativo de Puma.
Varios han sido los museos que han celebrado al autor, desde el Instituto del Vestido de Kyoto, al Musée de la Mode de París, el Groninger en Holanda o el Moma neoyorquino. En el año 2005 representó a Turkía en la Bienal de Venecia con una excelente instalación de moda y videocreación, protagonizada por la actriz y modelo Tilda Swinton, en la que se combinaba su interés por el vestido, la creación de objetos de formas automáticas y los sentimientos. Ahora sus sentimientos y automatismos se pueden ver en Londres en esta excelente exposición. Otro creador que siente gran afecto por los objetos de formas automáticas es el soriano Dis Berlín, a quien en la actualidad dedica una exposición monográfica la galería Marisa Marimón en Ourense. Cuadros de estética abstracta cuajados de objetos inconexos de realista figuración junto a esculturas torneadas como si fueran patas de un mueble Sheraton aparecen repetidamente en el universo de este creador. Es un viaje al espacio sideral, donde es factible encontrar un pez globo entre las aguas de aire ingrávido de un lago soñado o un desierto lleno de columnas con formas monolíticas que parecen recordar la columna de la place Vendôme o el espacio anónimo y científico de una aeronave. Aún otro artista que se mueve en el espacio aéreo es el escritor Francisco Narla. Este creador, de profesión piloto de aeronave, hubo de pasar una temporada en un desierto lejano por motivos laborales. De esa saison en enfer o temporada en lugar remoto surgió la novela Los lobos del centeno. Un libro de terror en el que se combina el misterio con la ciencia y que se debe leer para no ser un lobo estepario.
Así, vemos tres creadores de moda, artes y letras unidos por la ciencia y la tecnología. El arte del siglo XXI gravita sobre la I+D, investigación y desarrollo.

Román Padín Otero

I´ve published este texto sobre Chalayan y Berlín en El Correo Gallego del sábado 17 ene 09