Alexander Mcqueen 1969-2010

Versace Home

La mesa de Versace sigue siendo un hito de elegancia...los tesoros del mar

Festival de Hyéres

Los seleccionados para el festival de Moda y Fotografía de Hyères...una sola española, de la escuela Esdemga, Isabel Mastache Martínez!!!....la chance, le talent!

http://www.villanoailles-hyeres.com/leblog/?p=1711

Fiesta 40 Josemari Giraldo en A Toxa

Mi amigo Josemari Giraldo celebró su 4o cumpleaños con una fiesta en la isla de A Toxa...todos nos sentimos afortunados de compartir esa celebración con él y su familia...divertidísima fiesta!!
Josemari leyendo una de las muchas felicitaciones de sus amigos...

Carlota rodeada por su Gonzalo Ozores y el anfitrión Josemari Giraldo...

Melée con Josemari abrazado en loor de amistad...

Con mis amigos Vero y Pedro

Cosas de artista. Cosas que sólo un artista puede hacer. ECG

Cosas de artistas

Frente al panorama sociocultural de la actualidad son necesarias las cosas de artista. En un sentido absoluto, las cosas de artista son aquellas que se apartan de la convención y la previsibilidad, para instalarse en un ámbito de fantasía y dislate. Un Pigmalión que desea ver en carne y hueso a su estatua de piedra. Un Caravaggio que reinventa la luz. Un Mies van der Rohe que descubre la forma pura. Una Björk que hace del grito un canto. En todos los gestos de artista que trascienden, aparece además cierta ironía o sátira, una visión en la distancia, necesaria para separar el árbol del bosque.
Y es que hoy con la mímesis de la que ha sido objeto la escena cultural, fusionando en ella el mercado y el arte, se hace en ocasiones difícil ver más allá de los planteamientos puramente pecuniarios o económicos del ámbito cultural. Hoy que el ciclo económico sigue en sus bajos fondos, el arte y la cultura deben espabilar y ofrecer alternativas, ofrecer "cosas de artista". No olvidemos que la creatividad marca siempre el avance cultural, define el ritmo social y fomenta la bonanza económica.
Frente al desiderátum de un momento cultural lleno de gavillas de gestos de artista, el panorama artístico gallego se encuentra nublado, como en aquella ópera de Bellini, Il Pirata, en una de cuyas arias se dice, "¡ay, si pudiese disipar las nubes!?" Y aún con fuegos de artificio xacobeos, la nube del "no hay presupuesto" gravita en todas partes.
Frente a eso, a pesar de eso, Cosas que sólo un artista puede hacer, es la exposición que el MARCO de Vigo presenta en esta temporada para ironizar con la audiencia sobre la relatividad del ser y la levedad del discurso artístico.
Es una exposición colectiva comisariada por Javier Marroquí y David Arlandis que reúne obras, cada cual más simpática de un nutrido grupo de jóvenes creadores, artistas en activo, cotizantes esforzados de la escena laboral actual.
Vídeos, instalaciones y fotografías son el grueso de la muestra, todo fácil de transportar. Un vídeo recoge la acción de la artista Paola Pivi, quien hizo viajar en avión a un montón de peces de colores en sus peceras. La moraleja es la que quieran, desde el divertimento, a la ironía sobre la vida y el precio de las cosas.
Otra artista, Tere Recarens, se recoge en un vídeo barriendo las nubes del cielo sobre Berlín. Pocas cosas hay tan abstractas como el aire y sin embargo que necesitado está de limpieza ciertamente.
Un balcón Haussmann, en el medio de una sala sirve de pieza referencial a otra acción de Julien Berthier, que consistió en ir colocando esa pieza fin de siglo en distintas fachadas, para ironizar sobre la especulación, el feísmo y los estilos prefigurados.
Hay agujeros de tierra que se rellenan sin motivo, túneles que no se acaban, rutas por mar que parecen de argonauta, cohetes como calendarios y robos de electricidad a la academia de arte.
Además, un contrato de artista firmado por Enrique Lista, en el que se compromete a realizar una acción "artística" cada día. En la conversación con este artista, explica como vive de un trabajo "publicitario" y hace además arte conceptual. Eso sí, sin perder el ánimo de las cosas de artista para disipar la nubes que se ciernen sobre nosotros.

Román Padín Otero

He publicado today este artículo sobre la exposición, "Cosas que sólo un artista puede hacer" del Marco de Vigo

http://www.elcorreogallego.es/gente-y-comunicacion/ecg/cosas-artistas/idEdicion-2010-02-06/idNoticia-513591/

José Dávila en ANEXO MARCO

Inauguración en el espacio Anexo del museo MARCO de Vigo de la intervención del artista mexicano José Dávila. Una fascinante arquitectura efímera que hace diálogo de lazo de Moebius y anula por primera vez el edificio anexo. Es visionario que en este momento de recalificación de la función del museo, se haga esta intervención en la que el artista mismo hace una ruina orgánica del edificio. Entre academias, talleres y derribos...algo nuevo saldrá para acabar con el espectáculo de masas y volver al intelecto, esta acción conduce por esa senda.
Muchos amigos y conocidos en el lunch, José y Sofía, Iñaki, Agar, Marta, el artista José Dávila recién recuperado de una fiebre de un mosquito cabrón del dengue..y la encantadora profesora griega Effie Komninou, que visitaba Galicia para dictar una conferencia sobre arte y enfermedad en la Fundación Seoane de Coruña y nos acompañó en el lunch, un encanto!...Román

Man Ray; Cadáveres exquisitos

CADÁVERES EXQUISITOS
Man Ray: a arte da reinvención
¿Quen non coñece a arte surrealista? Unha forma de creación que xurde formalmente coa publicación do “Manifesto Surrealista” no ano 1924, e que conta entre os seus militantes cós máis célebres artistas do século XX. Poetas, pintores, fotógrafos, arquitectos, ourives, modistos, teñen engrosado os anais da creación surrealista, dende o inicio desta forma de experiencia creativa até os nosos días. Facendo que o termo “surreal” se teña espallado e transferido dende o cultismo referido á unha forma de arte inspirada no soño e nas formas alternativas de percepción, até converterse nun adxectivo que aplicamos para todo aquilo que resulta “extraordinario e onírico”.
A mestura da vixilia e o sono na experiencia plástica, non aparece ex novo cos vangardistas do círculo de André Bretón, como Louis Aragon e Paul Éluard ou cos cadros asombrosos de Salvador Dalí e René Magritte. Antes ben, existen claros antecedentes da experiencia dun universo con lóxica allea á realidade na obra do pintor manierista Arcimboldo no século XVI, quen facía retratos con flores e vestidos con formas de animais, esvaecendo daquela a fronteira entre forma e contido. E tamén se cita como antecedente o universo de El Bosco, co seu famoso “Xardín das delicias”.
Son moitas as exposicións dedicadas ó surrealismo e o seu ámbito. Hai pouco tempo o Guggenheim de Bilbao, presentaba na mostra “Cousas do surrealismo”, un repaso pola relación do movemento surrealista co teatro, a moda, a decoración e o deseño.
Arestora é o Jewish Museum de Nova York, quen dedica unha retrospectiva de tipo cronolóxico a un dos surrealistas máis célebres. O pintor, fotógrafo, escultor, cineasta e poeta, Emmanuel Radnitzky, máis coñecido polo seu alias Man Ray, é suxeito dunha formidable exposición que recolle unha selección antolóxica dos seus traballos e abundante información da época e da vida do artista.
As creacións de Man Ray máis divulgadas son as fotografías, como o retrato de Kiki de Montparnasse de costas como se fora un violín ou as súas fotografías de moda. E tamén os seus xogos alumínicos chamados “raiografías”, que mostran sombras e perfiles de obxectos retratados de xeito singular pola cámara fotográfica. Dúas cuestións saliéntanse desta retrospectiva sobre Man Ray. Dunha banda a súa capacidade de se reinventar, que o levou a trocar de nome e mesmo de actividade en innumerables ocasións ó longo a súa vida, conseguindo manter, de certo, a súa rutilante personalidade. E a segunda cuestión que destaca desta exposición, é que serve de recordatorio da perenne presenza do surrealismo na actualidade, especialmente nos creadores contemporáneos que se remiten a fórmulas de traballo e temáticas propias dos automatismos e cadáveres exquisitos inventados polos surrealistas.
No eido da arte, hai na actualidade unha volta ó emprego do sistema surrealista do “cadáver exquisito”. Na programación de exposicións na sala Verónicas de Murcia, hai arestora un proxecto chamado Dominó Caníbal, que xira entorno ó encadeamento das obras de arte feitas polo conxunto de artistas convocados á exposición. O primeiro artista en ocupar a sala de exposicións é Jimmie Durham, cuxo traballo será continuado por outro artista quen á súa vez será reinterpretado por aínda outro creador até completar unha lista de sete creadores. É un cadáver exquisito como os dos surrealistas, onde nunha peza de papel alguén comezaba un debuxo que era completado de xeito automático por outros creadores.
Un dos artistas invitados ó Dominó Caníbal, é Kendell Geers, quen emprega elementos propios do surreal como a alteridade, a violencia, a sexualidade e o medo, para servir de leitmotiv ós seus traballos. Nunha grande monográfica dedicada ó artista no museo Da2 de Salamanca no 2008, facíase notar ese universo de irónica dúbida sobre os principios morais prefigurados, algo de seu surrealista.
Tamén presente entre os artistas do Dominó, está Francis Alÿs. Un artista de orixe belga residente en México que traballa entre outros argumentos surrealistas co do automatismo, e propón por exemplo a copia da copia do cadro feita por artesáns anónimos. Os surrealistas, tamén gustaban de polemizar sobre a autoría e orixinalidade da obra de arte.
En fin a ironía e a sátira, son elementos propios dos surrealistas, que están arestora servindo de leitmotiv á exposición colectiva que no MARCO de Vigo presentase baixo o título “Cousas que só un artista pode facer”. Accións e performances de Tere Recarens, que limpa o ceo de Berlín dende un avión. Enrique Lista, quen contrata cos comisarios una perfomance diaria que abrangue dende cousas cotiáns até agarrarse a un cravo ardente. E así até 12 autores, que nos fan debuxar un sorriso cos seus divertimentos.
O surrealismo antes e hoxe ten como eixo rirse deste mundo tolo no que vivimos, o soño e a sátira para seguir a diante.
In fashion
Unha das facetas máis coñecidas de Man Ray, sitúano como fotógrafo de moda. Retratou modelos de Poiret, Lanvin, Vionnet, Mainbocher, e da tamén surrealista Elsa Schiaparelli para revistas como Bazaar, Femina ou Minotaure. Outros artistas surrealistas como Salvador Dalí ou Giorgio de Chirico, traballaron tamén para o sistema da moda, creando xoias, estampados para tecidos ou mesmo creando traxes de fantasía.
Esa herdanza surrealista está vixente nos nosos días e non son poucos os creadores do sistema da moda que fan creacións de vangarda surreal. O modisto Moschino, viña deseñando dende os anos oitenta un universo cheo de xogos surreais, como a mestura de madonnas con osiños de trapo, botóns con forma de beizo ou traxes con trampantoxos que enganan ó ollo. Tralo seu pasamento o equipo de deseño da firma segue a facer un mundo de soño que vive ó outro lado do espello.
Outros grandes do discurso surreal son os holandeses Viktor&Rolf, quen teñen feito unha boutique invertida, onde o teito é chan. E tamén deseñan traxes con luces, abrigos que son unha cama, saias con buratos como se foran un queixo e irónicos abrigos que levan escrita a palabra “No”, para negar o sistema da moda.
No eido dos perfumes, é imprescindible citar a colonia para home de Paloma Picasso, que se chama “Minotaure”, que toma o seu nome da revista surrealista homónima, fundada na época das vangardas polo seu pai Pablo Picasso. Tamén as colonias de Viktor&Rolf, “Flower bomb” e “Antidote”, xogan no seu concepto coa ironía da bomba e da menciña para crear un aroma.
No eido das xoias compre mencionar como pezas surreais dos nosos días as creacións de enorme tamaño asinadas por Victoire de Castellane para Dior. E as pezas da xoiería veneciana Codognato, quen inventou os esqueletos como motivo para aneis e broches.
Román Padín Otero

I´ve published to-day este artículo sobre el surrealismo y sus instrumentos en el Faro de Vigo, Faro da Cultura...a propósito de una exposición de Man Ray en Nueva York...Román

Jorge Perianes; Los animales se equivocan

Mi amigo Jorge Perianes, tiene un libro lleno de bichos que se titula "Los animales se equivocan", una vanitas al otro lado del espejo tras una fiesta de no cumpleaños fabulosa. Ese festín se celebra en una casa donde las termitas discuten con el lobo feroz y caperucita. Allí las montañas trasladadas desde los cuadros de Brueghel hacen las veces de jardín. Y las obsesiones de entomólogo curioso y botánico incestuoso se convierten en inspiración para llenar todas las habitaciones.

Me ha puesto esta dedicatoria...before Perianes "eres dichoso", after Perianes "eres bichoso"...Román

Pablo Pérez Sanmartín

Do U care for boridos?
En la forma de hablar cotidiana de los adolescentes norteamericanos hay varias palabras procedentes de otros idiomas que no son el inglés que han acabado por formar parte del lenguaje coloquial. Las palabras procedentes del francés, del italiano y del castellano en su mayoría, constituyen el léxico minimalista para calificar algunas comidas, varias bebidas, ciertos automóviles y algunas marcas de ropa.
Un día cualquiera en una ciudad cualquiera en el sur de Florida, por ejemplo en Palm Beach, un grupo de adolescentes de gente bien, salen en su auto de marca “maseradi” , a pasear entre “chandeliers” por la noche, vestidos de “ralphlauren”, con colonia de “beneron” y van a cenar “spaghetti”, “french fries” o “burridos”. Estos últimos son unas tortas de trigo rellenas de carne, vegetales, salsas picantes, queso, enchilada, chili con carni y todo lo que se quiera. Son un plato oriundo de la cocina mexicana que se llaman realmente “burritos”. Los burritos son una comida y son también los personajes, que llenos de todo tipo de condimento, habitan el universo de adolescencia teenager e iconoclastia estética de Pablo Pérez Sanmartín.

En la estética de Pablo aparecen dibujos realizados por medio de ordenador que son completados con serialismos y reproducción de obras de arte carentes de alma que se representan por medio de proyecciones digitales, esculturas hinchables, ediciones de camisetas y polípticos de aires comerciales. No todo es banal en la obra de este artista y aunque en la superficie reproduce con sus obras el mundo sintético de la cándida adolescencia, de la época de la educación sentimental, en el fondo representa también toda una reflexión sobre la vanitas, las mutaciones estéticas, el fin de la belleza y la futilidad de las modas pop.
Una de mis canciones favoritas es “Sweet dreams are made of this” del grupo Eurtihmics. Esta canción y otra referencia musical más genérica como “La juventud baila” han servido de título irónico y sarcástico a dos de las exposiciones de Pablo.

Cuando yo conocí a Pablo se apareció como una estrella del pop con hondos conocimientos de la cultura musical y underground desde los años ochenta. Siempre me fascinó que un chico supiese tantas cosas de la época en la que aún era un bebé.
Conoce la escena punk, techno, neorromántica, gótica y trans mejor que sus artistas más destacados. Si se habla de una canción conoce la letra, si se menciona un disco recuerda las personas en la carátula y se hace referencia a un desfile recuerda quien era la tercera modelo que salió en la segunda salida del minuto 20 del desfile. Es una enciclopedia, ¡no…digo mal!, es un MP4. Pues tiene la capacidad de reproducir en imágenes las informaciones que recibe de toda la revistofilia y bibliofilia y discofilia que maneja.
Cuando creó una escultura gigante e hinchable como un Michelin que llamó “USB invader”, se colocó en el ojo del huracán de toda la dialéctica de lo que se hace entorno a los ordenadores. El “USB invader” fue un éxito y además de presentar la monumental escultura en la exposición “Urbanitas” de Vigo, editó también varias T-shirts, chapas y salvapantallas para el teléfono móvil. Me fascinó toda la frescura con la que se planteaba por parte de Pablo la intelectualización de las obras que “son horror en el supermercado”. Pronto descubrí que en una faceta “walterbenjaminiana” el ideal creacional de Pablo era editar sus objetos de arte como si fueran unos productos de diseñador de lujo, unas fragancias de una gran casa de cosmética o una revista de mundos inalcanzables.

La idea de la moda de ver y ser visto, era retomada por Pablo cuando hacía una obra de arte en forma de camiseta y la editaba como si fuera una marca inexistente que haría las delicias de todos los consumistas. Los productos obras de arte de Pablo son y eran un oscuro objeto de deseo que cumplen el mismo juego de erotismo que un bolso de Chanel o una canción seleccionada por Lagerfeld, sus obras son todo y no son nada. Lo mismo que la moda, quizá no sea nada pero nadie se evade de sus mandatos.

La obra de Pablo produjo en mí el mismo efecto que una transfusión de sangre o una inhalación de oxígeno o la compra de un modelo de Mugler, era una obra vivificante. Desde que conocí sus ediciones, desde que editamos en conjunto unos polos con los invaders en color rosa imposible, una relación de histérica fascinación me une al universo hiper hiper de Pablo Pérez Sanmartín.

En muchas conversaciones intercambiamos novedades y cosas en “vogue”
Román.- Cual es tu actor favorito
Pablo.- La verdad es que no soy muy de actores. La vida es un escenario no? Decía la canción… (bueno, decía “tu vida es un escenario”, pero tras no sé cuantas ediciones de gran hermano yo creo que podemos permitirnos generalizar)

Los actores europeos tienen la mayor parte de las veces una necesidad extraña de parecer intelectuales. Los americanos están, en general, muchísimimo más desprejuiciados así que supongo que me gustan más. Son los que han creado en gran medida la cultura de la fama, y lo han hecho a través de la industria cinematográfica, aúnque ahora esa cultura haya ido por otros derroteros. Así que el actor norteamericano sabe que no va a salvar el mundo a través de su profesión ni nada que se le parezca (aúnque siempre hay algún despistado).
De gustarme, obviamente me gusta el actor icono, así en mayúsculas, un poco por deformación profesional y por las coordenadas en que se sitúa mi trabajo. Yo creo que River Phoenix podía sintetizar bien todo esto que trato de explicar. Es el James Dean que le ha tocado consumir a mi generación
R.-Donde te gusta bailar
P.-A mi me gusta bailar en la calle. Soy generación botellón. En la calle algunos nos lo bailamos todo. En general me gustan los espacios abiertos para ejercitar el baile. Tengo ahí un pasado raver que me ha pasado factura. Subestimamos el baile, pero exceptuando determinadas pautas de consumo es lo poco que queda de ritual en la sociedad contemporánea. En todo evento masivo de incitación al baile hay algo de atávico, por ridículo que parezca. Me acuerdo hace años de un festival de música hardcore/metal en Portugal. Era un evento semiclandestino, en medio del campo. Había llovido. Ni siquiera me acuerdo del grupo que tocaba. Era puro ruidismo. La gente comenzó a agitarse en masa, bailaban dando botes, como el clásico pogo, el baile punk por excelencia, y arrojándose los unos a los otros… Todo en medio de un lodazal… Parece algo caótico, pero había una sincronía colectiva que lograba transformar la escena en una especie de coreografía de violenta pura… Era una experiencia estética increíble, de las más intensas que he vivido. Yo soy un poco de ver los toros desde la barrera y de heavy tengo bastante bien poco, pero un amigo me invito a entrar al mogollón. Por suerte soy bastante sociópata también, así que no me costó nada empatizar con una manada de hermitaños sociópatas en trance (la cultura hardcore no es de socializar mucho). Hubo comunión con el grupo sin lenguaje de por medio, que todo lo fastidia... Como decía bailábamos sobre un lodazal, y cuando alguien resbalaba, una mano automáticamente te aupaba antes de llegar al suelo para continuar con el baile. Como he dicho ya yo no encajaba mucho con la estética. Llevaba puestos unos vaqueros y una camiseta negra con la leyenda “1984” en la pechera (el uniforme underground de quedar bien en cualquier situación sin mojarse mucho) Otro colega probó suerte también. Llevaba una camiseta con un parche de un grupo de E.B.M, que, supuestamente era una declaración de hostilidad hacia la estética musical del festival (los de la generación X tenemos esta cosa contestataria absurda en situaciones que no vienen al caso, de ahí salen auténticas obras de arte). Pues bien, no tuvo tanta suerte, nada más llegar donde nosotros un codo lanzado al aire casi le partió la nariz… Fue totalmente sin querer, pero supongo que esa actitud implícita en su camiseta le impidió compartir el estado de consciencia alterada colectiva que yo si viví… En fin, que me gustó mucho bailar en ese festival…
R.-cual es tu diseñador más molón
P.-Le presto bastante atención a la moda, pero más a la forma que tiene la gente de consumirla y a su relación con las marcas que a la individualidad de turno… Supongo que de nombrar a alguien el primero que me viene a la mente es Bernhard Willhelm. Es punk deconstruído, mezclado con dibujos animados y no sé cuantas cosas más. Viktor & rolf me gustan porque logran una especie de elegancia rara columpiándose en el alambre, y yo valoro mucho la elegancia porque soy un señor, o porque aspiro a serlo algún día, por mucho que me mueva en este universo en tecnicolor de Kidult
R.-Quien pincha mejor
P.-Yo pincho muy bien, aquí donde me ves, pero la gente no se ha dado cuenta porque me muevo por bares muy pequeños… Parece una tontería, pero me estreso mucho porque trato de agradar a todo el mundo haciendo valer mis gustos musicales y eso es un ejercicio de “psicología al plato” bastante fuerte. Por la noche somos todos bastante elementales, y siempre acaban triunfando aquellas canciones o bien con un beat muy marcado, o bien que ensalcen la amistad, el ligoteo y el consumo de estupefacientes. El dj estrella internacional es otra cosa. Se trata de una figura muy sintomática de la sociedad de consumo. Son una especie de ubermensch Nietzchianos aplicados al mundo de la farándula y las fiestas, pero que luego tienen un peso real en el mundo de la cultura siendo el ejemplo claro de la unión entre la industria de la cultura y del ocio que estamos viviendo (cuantos dj´s de reconocido prestigio son requeridos en instituciones y espacios de arte para amenizar presentaciones y performances como parte de la oferta cultural?). Por que ubermensch?: Por que si Nietzche hacía filosofía a martillazos ellos hacen música pasando por “la trituradora composiciones ajenas”. Son los nuevos músicos y también referentes de estilo para mucha gente. Su forma de trabajar basada en el corta & pega es también muy interesante como herramienta creativa…
R.-Donde se hace mejor la hamburguesa
P.-En mi pueblo en la Hamburguesería Ceibe, que no se a santo de qué tenía además un aire a lo dinner típico de Brookling tamizado por el feísmo de la España de los 70. Casi nada. En Madrid en Home Burguer si nos queremos poner exquisitos, pero me tendrías a mi todo el rato resoplando (una hamburguesería minimalista), en Peggy Sue si tenemos al lado, por poner un ejemplo a un Johnny Depp en Cry Baby, y en Friday´s si queremos algo que chorree grasa y haya que sujetar a dos manos. Se recomienda la ingestión con un batido de oreo…

R.- Cual es el acto que prefieres
P.-El acto de que índole?
R.-Moda o arte
P.-Las dos son dos industrias del lujo y el absurdo. La del arte es más malvada. La del arte me gusta más
R.-Joven o Carmen dell´Orefice
P.- What? Me preguntas sobre hamburguesas y luego esperas que esté a la altura de las circunstancias para responder esto?? ;)
R.-Gaultier?
P.-Gaultier obviemoslo…
R.- Un disco
P.-Muchísmos, pero en mp3, el disco es un soporte que se me hace raro ya. Y una canción que bien podría ser banda sonora de esta exposición que nos ocupa: “the devil´s dancers”, de Oppenheimer Analysis

R.-Un fetiche
P.-Tengo muchos. A veces me guía la certeza de que todo esto lo hago para, llegado el momento, juntarlo todo en una casa y hacer como la familia de “El séptimo continente” de Haneke: destruirlo de la manera más metódica y sistemática posible y hacer con ello la obra de mi vida.
Mi último fetiche? Una muñeca pinky, unas figuras de lolitas manga muy de moda entre las adolescentes japonesas. El set en concreto que me han regalado (si, la gente me regala estas cosas) tiene como tema el comienzo de las vacaciones e incluye una colegiala modosa con gafas de pasta y maletín, un cuerpo intercambiable en modo vacacional (faldita veraniega y chanclas) haciendo un corte de manga, y un recortable de 60 páginas con diferentes sets y escenografías para montar (la escuela, el campamento de verano…) me lo regaló alguien que vivió de cerca el proceso de producción de mi última serie, “we didn´t start the fire”, que incluye un libro de recortables también, y lo cierto es que ha dado en el clavo: la realidad supera a la ficción y vale solo 30€

R.-Que sentimiento es el amor
P.-El amor es algo que deja claro a los demás el tipo de persona que eres en función de tu manera de afrontarlo.

R.-Que sentimiento es el deseo
P.-El deseo es un picor temporal a menudo sobrevalorado. Lo verdaderamente peligroso es la líbido, que es la que está ahí a largo plazo guiándonos por donde a ella le da la gana.
Qué sería de los artistas si nos cortasen el acceso a la nuestra.

R.-Cual es tu lugar de vivir
P.-Ahora mismo Madrid. Nos llevamos muy bien, aunque tenemos una relación abierta…

R.-Cual tu lugar de vacaciones
P.-Ninguno por desgracia. Debo ser el único artista working class que queda en el negocio
R.-Un hombre icono.
P.-Se me ocurren 2 tipologías:
por un lado tenemos la reformulación de la figura de lo masculino que se ha orquestado desde el universo de la publicidad. Esta idea del hombre-muso. El pin-up finisecular. Un Tony Ward o un Francois Sagat . Después está esa concepción clásica de “El Hombre” y “su proyecto”, entendido a la manera renacentista. En España uno de los mejores ejemplos es Justo Gallego y su catedral en mejorada del campo, que a veces por anacrónica nos puede resultar kitsch… En teoría es un monumento a una instancia superior, pero en el fondo es un monumento a lo humano, al ser consecuente con uno mismo hasta el final, hasta lo cazurro, que es algo que muy poca gente practica hoy en día, en plena era del relativismo y de las tendencias (madre mía, parezco la inquisición) , y lo más importante: al ego masculino, que es así de enorme…
R.-Una mujer icono:
P.-Lara croft por ser la primera starlette y fantasía sexual poligonal de la historia (No quiero que se me acuse de misógino, la sociología tiene estas canalladas a veces…), y Nina Hagen por dinamitar al mismo tiempo los cánones de belleza tradicional a golpe de muecas y espasmos y los fundamentos básicos del bel canto… Una virtual y otra demasiado física, ya ves…
Pablo dixit.
Román Padín Otero

Okwui Enwezor interview by Román Padín

ARTNOTES: Interview with Okwui Enwezor, curator of BIACS2

The II Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Sevilla (BIACS2) has been formally opened under the title Lo Desacogedor. Escenas fantasmas en la sociedad global.

The locations selected for the biennial are two of the most emblematic architectural composition in the city, some artists exhibit their pieces in the Reales Atarazanas, an old 13th century shipyard in which the brick walls and the dirt roadway provide an optimistic context for the works of art as if it was an ad hoc scenography. In the Cartuja island where the old convent used to be located, you can only see the Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, a very beautiful composition of spectral white rooms where the artists show their pieces.

The biennial’s curator, Okwui Enwezor, enjoys a great prestige within the international art field and he has directed, among other important events, the Documenta 11 (2002), and for that reason his presence in Spain generates great excitement.

The point of view Okwui Enwezor suggests both in his texts and in his curatorships is characterized by the formal sobriety and rigorous precision, some aspects which he does not overlook in this event in Seville. His reflection around the conflicts in the globalized world which swing between the pluralities and the fundamentalisms, resulted in an analysis of the current problems by means of the works by these 91 artists who find inspiration in the concepts of intimacy (the maternal house), proximity (the Euro American or the Hindu Moslem relation with Africa) and neighbourhood (the urban relation or the Israelites and Palestinians relation).

I just wanted to know your general opinion on how everything has turned out as you had expected after the opening?

Indeed, the project turned out quite well, despite a few anomalies that need to be worked out. But this is to be expected since, as you know it is a very big project, and a huge challenge which I have developed with a very small and young organization. The organization has done an amazing work, not only to bring the exhibition about, but also in the support it has given the artists. Few people can imagine and appreciate what it takes to put together this huge complexity of people, with works coming from all different parts of the world and making the exhibition function as a coherent statement of the disparate intentions of the artists. It has been an incredible experience and a great opportunity to work in Spain. And to accomplish this in a context with limited spaces and resources for contemporary art is great credit to what BIACS represents for both Seville and Spain. So to do this job here with the immensely commitment to the artists and with the result we have is simply tremendous.

What elements from previous exhibits did you bring with you to Seville and what new things did come to your mind when seeing of the locations and the city?

Well, number one is that you always carry your intellectual world along with you. I am never a curator who works with the presumption that I´m going to bring anything new always. I am interested in making exhibitions that sit within a particular context. As you know there are many, many serious questions – political, cultural, social, economic: one issue being the difficult problem of immigration and the rights of immigrants - going on in Spain today, as well as all over the rest of the world, these questions should make one circumspect about the prospect of continuously generating new artistic models in response to these varied disturbances and the various teleologies that drive them. So this is not the time to make exhibitions that is entertaining, that is easy to understand and consume through the irritating fixation on newness. I have therefore chosen to focus on things that I know and to invite those artists whose work I have only recently become aware of, but whose works respond in imaginative and challenging ways to the questions the exhibition wanted to address. So the challenge we have is always to push forward in the work we do with a certain degree of clarity and an amount of real critical interrogation of both the limits of art and the limits of the audiences that come to view art, and the prejudices people bring with them and at the same time the preconceptions that they bring with them, so these are all the things that people might want a response to. So in my view I think I´ve made an exhibition that is really about a response to today but not from a dogmatic approach but from a way of reconsidering the itinerary of what contemporary art can be in the matter of the world.

Which are the main criteria you have followed for the selection of these artists present in the Biennial?

This is always the most difficult question. There is not only a criterion but several factors. I tend to work in advance of any exhibition through active collaboration with artists.

Have you ever asked the artists for any specific work?

No, I’ve never asked for site specific works, but many of the artists have selected works based on the construction of questions. So, for example, Thomas Schütte’s One man houses is very much close to this idea of Absalon, this white sculpture is also related you know, to the conditions of enclosure or isolation of people in the building. For example in the Church what I really wanted was silence and punctuating this silence with a bit of sound from time to time.

Is there any specific symbol or these things, one work like the icon of the exhibition?

No, there is not one icon, it is more a prismatic work; the exhibition unfolds very slowly, so there is not one icon.

When you say that the execution unfolds slowly, should you let us know whether there is a dialogue in between each individual piece of art?

No, this is something that you have to know… the dialogue is there, that’s what an exhibition is about.

What is the itinerary you would recommend to the visitor? Is there a beginning and an end or is there a marked walk or…?

No, I think it’s a network of ideas, a network of positions, each having soft borders between them.

You´ve always been socially conscious in your job, while making a project in Spain did you think at all about the terrorism problem that we have in Spain, to put it in relation with the art creation?

Not exactly because I think that this situation in Spain cannot be isolated from larger problematic that exists elsewhere and that ´s why I say that The unhomely is not an exhibition that is really about terrorism, but the way in which we live in a context that is now sort of darkened by all kinds of questions of struggle, contestations of place… Spain has certainly had its share of this question but I think it must not be isolated, it must be put within a larger context. We have so many societies that are threatened with so many contradictions. These contradictions raise very important issues and I think that there are many artist considering them and I think that ´s what I wanted to articulate as part of the logic of the Unhomely.

Were you able to combine your theoretical points of view and some new elements that would be entertaining for people visiting the exhibition so that they could enjoy it?

I´m very sure that people will enjoy visiting the exhibitionWhat I always say to people when they come to exhibitions is to give it time, I think it is important to give the works some time, to inhabit the space between the artwork and the world of the artist. The propositions made by artists often need sometime to receive something from them, to understand them people must give them some time.

What´s your next project?

I don´t know (laugh) just sleep!

Román Padín interviewed Okwui Enwezor in the Reales Atarazanas in Seville during the opening of the BIACS2 on October 26th 2006. This interview was published in ART NOTES 13.

http://www.artfacts.net/index.php/pageType/newsInfo/newsID/3425/lang/1