martes, 30 de marzo de 2010
Pierre Huyghe, Palacio de Cristal
Instalación de Pierre Huyghe en el Palacio de Cristal de Madrid, una interesante manera de devolver el espacio a sus utilidades originales y hacer variaciones sobre las formas plásticas extrapoladas...el paisajismo de salón
sábado, 27 de marzo de 2010
Anish Kapoor en el Guggenheim
He publicado este artículo sobre Anish Kapoor en El Correo Gallego
El espacio como materia
El espacio como materia
El Museo Guggenheim de Bilbao dedica una exposición monográfica a gran escala a la obra de Anish Kapoor. El escultor nacido en Bombay y residente en Londres desde los inicios de su época de formación, es uno de los grandes actores del discurso principal e
n el arte contemporáneo. Su intervención en la sala de las turbinas de la Tate Modern de Londres; su participación en la 44 Bienal de Venecia; el Premio Turner, son sólo algunos de los grandes reconocimientos que jalonan su carrera. Ahora esta visita de su universo creativo a España, sirve de motivo para celebrar su espiritualidad en el arte.
Hace más de una década, Santiago de Compostela acogió varias piezas importantes de este artista en sendas exposiciones en el Centro Galego de Arte Contemporánea. En ese tiempo, el público gallego pudo acariciar lo sublime con las concavidades monocromas del escultor. Ahora, en la exposición de Bilbao, se pueden admirar los tres grandes temas que aborda este creador en sus obras tridimensionales: la conceptuación de lo primigenio u originario, la complementariedad del espacio vacío con la materia, la cinética regeneradora. Y sobre estos tres argumentos gravita la espiritualidad en el arte. Dejarse cubrir por una de sus concavidades u observar sus monocromías es alcanzar lo sublime.
En una monumental escultura titulada Amarillo, del año 1999, hace referencia el autor, al concepto de lo originario, al representar un color único como inicio y fin de la obra que por los matices que consigue con ese "no color", llega a envolver y seducir al observador. Es un gran panel que dialoga como un ombligo o un apéndice, nunca se acaba de saber si es lo uno o lo otro, con la pared.
En la exposición se puede apreciar también Disparando a una esquina, una espectacular instalación que consiste en ocupar el espacio que queda entre el centro de la sala y los muros circundantes. Un cañón dispara balas de color que van tintando el muro del más oscuro de los colores, el rojo de la sangre. En esta pieza, se resume la idea de la integración del espacio con la materia, pues trata del vacío o la no sustancia como soporte escultórico. Esta idea de no objeto o vacío, se aprecia también en la múltiples esculturas reflectantes que habitan la muestra, desde la columna de esferas El gran árbol y el ojo en el exterior del edifico, hasta el No objeto que comparte una de las salas.
En fin, el aspecto del movimiento regenerador en la obra de arte se advierte bien en la enorme escultura Mi patria Roja, en la que una gran plancha redonda de vaselina roja, el monocromo último, es peinada lo largo de una hora por un aspa que está redefiniendo el espacio en cada giro de 360 grados, una metáfora del movimiento, el tiempo y la recreación de la materia.
El arte monumental de Anish Kapoor, ocupa un espacio axial en la apreciación de lo sublime en el arte de hoy. Arte en el espacio .
n el arte contemporáneo. Su intervención en la sala de las turbinas de la Tate Modern de Londres; su participación en la 44 Bienal de Venecia; el Premio Turner, son sólo algunos de los grandes reconocimientos que jalonan su carrera. Ahora esta visita de su universo creativo a España, sirve de motivo para celebrar su espiritualidad en el arte.Hace más de una década, Santiago de Compostela acogió varias piezas importantes de este artista en sendas exposiciones en el Centro Galego de Arte Contemporánea. En ese tiempo, el público gallego pudo acariciar lo sublime con las concavidades monocromas del escultor. Ahora, en la exposición de Bilbao, se pueden admirar los tres grandes temas que aborda este creador en sus obras tridimensionales: la conceptuación de lo primigenio u originario, la complementariedad del espacio vacío con la materia, la cinética regeneradora. Y sobre estos tres argumentos gravita la espiritualidad en el arte. Dejarse cubrir por una de sus concavidades u observar sus monocromías es alcanzar lo sublime.
En una monumental escultura titulada Amarillo, del año 1999, hace referencia el autor, al concepto de lo originario, al representar un color único como inicio y fin de la obra que por los matices que consigue con ese "no color", llega a envolver y seducir al observador. Es un gran panel que dialoga como un ombligo o un apéndice, nunca se acaba de saber si es lo uno o lo otro, con la pared.
En la exposición se puede apreciar también Disparando a una esquina, una espectacular instalación que consiste en ocupar el espacio que queda entre el centro de la sala y los muros circundantes. Un cañón dispara balas de color que van tintando el muro del más oscuro de los colores, el rojo de la sangre. En esta pieza, se resume la idea de la integración del espacio con la materia, pues trata del vacío o la no sustancia como soporte escultórico. Esta idea de no objeto o vacío, se aprecia también en la múltiples esculturas reflectantes que habitan la muestra, desde la columna de esferas El gran árbol y el ojo en el exterior del edifico, hasta el No objeto que comparte una de las salas.
En fin, el aspecto del movimiento regenerador en la obra de arte se advierte bien en la enorme escultura Mi patria Roja, en la que una gran plancha redonda de vaselina roja, el monocromo último, es peinada lo largo de una hora por un aspa que está redefiniendo el espacio en cada giro de 360 grados, una metáfora del movimiento, el tiempo y la recreación de la materia.
El arte monumental de Anish Kapoor, ocupa un espacio axial en la apreciación de lo sublime en el arte de hoy. Arte en el espacio .
Román Padín Otero
jueves, 25 de marzo de 2010
Histoire idéale de la mode contemporaine, Les arts décoratifs
Exposición en París de los años 70 y 80 en moda...entre los creadores que exponen está Sybilla!!!
sábado, 20 de marzo de 2010
Elogio de la pereza, ECG
He publicado en El Correo Gallego, este artículo sobre las expos de Diego Santomé y Carlos Maciá
Elogio de la Pereza
Elogio de la Pereza En estos tiempos de hipermodernidad y crisis en los que estamos inmersos, resultan atractivas las propuestas intelectuales y artísticas que ayudan a ver con optimismo estoico el devenir. Cierto es que el arte lo salva todo y que entre tanto análisis macroeconómico y estadísticas funestas, poca alternativa queda, más que poner el hombro y dejarse enlèver o raptar por la poesía. En esa situación de rapto se encuentra Europa, no ya en lo referido al mito clásico de la bella mujer fenicia seducida por Zeus y confinada en Creta, sino en el sentido del rapto económico y cultural en el que se encuentra el viejo continente y por ende, nosotros los europeos. Así las finanzas se tambalean, la cultura se transforma y los artistas hacen nuevas lecturas del quehacer creativo. El rapto tiene pues un punto de partida negativo y una arribada positiva. Del fin de un ciclo cultural concentrado en la caja blanca del museo institucionalizado y la cultura del espectáculo, están surgiendo unos planteamientos creativos cercanos a lo íntimo, el concepto de las cosas y la reflexión sobre el oficio. Es el rapto de la poesía.
Un poeta plástico que hace nuevas propuestas y versos es Diego Santomé, quien expone en la Fundación Rac de Pontevedra. Bajo el título Derecho a la pereza, presenta su universo creativo lleno de belleza y alusivo a citas impecables de la historia del pensamiento y el arte. Varias proyecciones se hacen sonoras con las cintas que percuten sordas en la sala. Un gran cartel luminoso toma el nombre homónimo de la muestra y da luz perezosa a parte del montaje. Cerca, una copia hológrafa del libro de Marchan Fiz, Del arte objetual al arte de concepto. Esta declaración de principios es el leitmotiv poético de la forma creativa de Diego Santomé quien recupera el oficio de Jean Cocteau y escribe una poesía con forma de cuaderno que sirve para ser observada y no leída. Además un cartel nos recuerda que lo va a repetir cien veces y una mecedora deconstruída recuerda el descanso en movimiento sincopado. Todo es ajeno a la velocidad de escape de la crisis del 2010, tomamos nota y copiamos la frase "yo elogio la pereza".
Otro poeta plástico, es Carlos Maciá, quien expone en la viguesa galería Bacelos, una muestra titulada Life in technicolor. La vinculación de este artista con lo abstracto y poético aparece esencialmente en el informal gesto que emplea para ejecutar unas gigantescas marañas que hacen un juego decorativo y ausente. Ahora estos enormes grafitis o frescos son de color dorado y hacen con ello un alarde de juego áureo. Es un juego alquímico en el que en pleno hundimiento económico, el artista hace marañas que cubren el muro de la galería en el color del dinero, el dorado. De ese diálogo entre un dinero poético y los viajes a Japón de Carlos Maciá, surge una visión quietista y ajena al circuito de la cultura institucional que se acerca al concepto poético de la creación.
Una poesía cada día, para los perezosos, poesías visuales. Octavio Paz, afirmaba que la poesía hacía mejor al hombre.
Un poeta plástico que hace nuevas propuestas y versos es Diego Santomé, quien expone en la Fundación Rac de Pontevedra. Bajo el título Derecho a la pereza, presenta su universo creativo lleno de belleza y alusivo a citas impecables de la historia del pensamiento y el arte. Varias proyecciones se hacen sonoras con las cintas que percuten sordas en la sala. Un gran cartel luminoso toma el nombre homónimo de la muestra y da luz perezosa a parte del montaje. Cerca, una copia hológrafa del libro de Marchan Fiz, Del arte objetual al arte de concepto. Esta declaración de principios es el leitmotiv poético de la forma creativa de Diego Santomé quien recupera el oficio de Jean Cocteau y escribe una poesía con forma de cuaderno que sirve para ser observada y no leída. Además un cartel nos recuerda que lo va a repetir cien veces y una mecedora deconstruída recuerda el descanso en movimiento sincopado. Todo es ajeno a la velocidad de escape de la crisis del 2010, tomamos nota y copiamos la frase "yo elogio la pereza".
Otro poeta plástico, es Carlos Maciá, quien expone en la viguesa galería Bacelos, una muestra titulada Life in technicolor. La vinculación de este artista con lo abstracto y poético aparece esencialmente en el informal gesto que emplea para ejecutar unas gigantescas marañas que hacen un juego decorativo y ausente. Ahora estos enormes grafitis o frescos son de color dorado y hacen con ello un alarde de juego áureo. Es un juego alquímico en el que en pleno hundimiento económico, el artista hace marañas que cubren el muro de la galería en el color del dinero, el dorado. De ese diálogo entre un dinero poético y los viajes a Japón de Carlos Maciá, surge una visión quietista y ajena al circuito de la cultura institucional que se acerca al concepto poético de la creación.
Una poesía cada día, para los perezosos, poesías visuales. Octavio Paz, afirmaba que la poesía hacía mejor al hombre.
Román Padín Otero
viernes, 19 de marzo de 2010
jueves, 18 de marzo de 2010
El greco, Faro de Vigo
He publicado este texto sobre la expo de El Greco en Bruselas, en el Faro de Vigo, Faro da Cultura, to-day...
martes, 16 de marzo de 2010
lunes, 15 de marzo de 2010
Philip Frohlich
El realismo fotográfico de Philip Frohlich en Soledad Lorenzo...interesante visión de la violencia de la luz..
Thomas Schütte
Exposición retrospectiva de Thomas Schütte en el Reina Sofía..es encantador ver reunidas piezas que se conocían de bienales y museos y exposiciones de todo el mundo...la escultura en la ironía de la peana, las multiplicidad de discursos plásticos, la alegoría del oficio, el divertimento el trabajo en el taller...
domingo, 14 de marzo de 2010
sábado, 13 de marzo de 2010
Justus. Sueltos. Mariano Mayer
Mi amigo Mariano Mayer presentó sus libros en el Ateneo de Madrid...Justus y Sueltos...allí estuvimos para escucharlo y presentar el acto...qué gran poeta Mariano!
SUELTOS. TOCANDO EL ARTE
SUELTOS. TOCANDO EL ARTE En esta época cibernética en la que vivimos, parece que es posible hacerlo todo sin moverse de la pantalla del ordenador. Hay un cierto eco decadente y finisecular en el hecho de visitar exposiciones o viajar a lugares remotos sin desplazarse de una habitación en la casa. Pues era Des Esseintes, el personaje de la novela de Huysmans titulada “A contrapelo”, biblia del decadentismo, quien viajaba en el tiempo y en el espacio sin necesidad de moverse de sus elegantes habitaciones.
El hecho de ser un ojo-man, o un anacoreta urbano, es literario y en cierto modo atractivo, pero no deja de ser una debilidad de nuestra era hipermoderna. Es necesario oponerse al hecho del superhombre individualista y conectar con los otros. Visitar exposiciones, leer libros de papel, diarios o semanarios que se puedan tocar y admirar ediciones de obras de artistas que sean tangibles físicamente.
En estos días hay varios eventos culturales que bien merecen nuestro desplazamiento del confort del salón y entrar en el ojo cultural del huracán. En el museo del Prado se exponen, en una muestra legendaria, armaduras junto a retratos de corte, de todo el Siglo de Oro español. Quizá pensemos que los cuadros de Tiziano o Velázquez, pueden verse sin las aglomeraciones del museo, en libros bien editados o en páginas virtuales de Internet. Sin embargo la posibilidad de ver físicamente la tridimensionalidad de una armadura y sus ricos matices, sólo puede conseguirse visitando el museo. Ahora es más que justificado, ¡por la moda belica!, entrar físicamente en el museo.
En el centro cultural Montehermoso de Vitoria, se está celebrando una proyección de un ciclo de vídeo llamado Contraseñas 8, entorno al feminismo y el hecho de lo diferente. El ciclo agrupa diversas video creaciones bajo el leitmotiv de los pasajes ocultos en el arte contemporáneo y permite ver filmes que representan a una mujer secando a su marido, un grupo de anguilas o una cantante que aparece enjaulada. Quizás estos vídeos podríamos verlos desde nuestras casas, pero el ciclo va acompañado de unas jornadas de debate, muy adecuadas para relacionarse socialmente y conocer las opiniones de los demás sobre el hecho creativo en vídeo hoy.
En el proyecto del Musac llamado Proforma, se pone en cuestión la función hasta ahora reconocida al centro de arte contemporáneo, como cubo blanco inmaculado y se pretende hacer un ágora dentro del museo. Si en el inicio del museo leonés hace cinco años, se ocupaban páginas de prensa gracias a la edición de catálogos y discos, actividades ambas que generaban un museo disperso, individualista. Ahora se fomenta el visitar el museo y participar dentro del mismo al crear una acción cultural en la que tres artistas, Sergio Prego, Txomin Badiola y Jan Michel Euba, hacen taller y cátedra en el edificio museal.
A su vez, la región de Murcia, que es donde ahora parece que ocurre todo en España, con el desarrollo de festivales, conciertos, conferencias y el centro de arte la conservera, se presenta ahora el llamado Dominó Canibal en la Sala Verónicas.
Una especie de cadáver exquisito, en donde un artista revisa y retoca y modifica lo que hizo el anterior. Desarrollando una idea de cooperación, colaboración y en definitiva socialización o relación humana.
Claro que esta afición e interés por crear grupo y relacionarse no es atribuible sólo a las instituciones, también los artistas generan en la actualidad proyectos reunidos. Como aquel legendario maridaje entre Warhol y Basquiat, ahora no son pocos los artistas que pintan y repintan juntos. Hace poco Jorge Perianes me enseñaba un cuaderno que serviría de base a un proyectos de pintura compartida en el que él junto al artista Nono Bandera y el pintor-escultor Enrique Marty, realizaban conjuntamente dibujos, caminitos, imágenes poema y criptogramas.
También en el mundo creativo de la moda, se interesa el hecho del grupo, no por ser más divulgado resulta más banal, pero la imagen de los jugadores de fútbol de las campañas de publicidad de Bikkermbergs, en cuyas fotografías aparecen un grupo de sólidos mocetones vestidos iguales con el aire de seguridad que aportan los colores del equipo. Sirve de reflexión sobre la utilización del concepto de la reunión y del calor humano en el lenguaje comercial del sistema de la moda y por ende en todos los lenguajes, pues la moda con su discurso hoy lo inunda todo.
Aún otro designer más elitista como Thom Browne, emplea en su propuesta para la firma Moncler, la estética del dormitorio y presenta a los modelos saliendo del vestidor común al despertarse y servir este ambiente de camaradería como decorado a una colección de ropas para el sport.
Todas estas circunstancias y aún otras muchas que se os podrían ocurrir a vosotros, ponen de manifiesto el deseo que hay en la actualidad de avanzar sobe los conceptos de individualidad, de generación ME, de generación Butt, y de la eterna identificación con el universo peterpaniano.
En esta presentación el Ateneo de Madrid, de la edición de pósters de artista titulada “Sueltos”. Se compendian obras gráficas que aúna el talento de artistas y sus reflexiones sobre el yo y otros extremos.
La suerte es que al tenerlos reunidos, nos permiten a nosotros mismos, participar como colectivo en esta convocatoria colectiva a artistas que apoya
-la edición
-el soporte sobre papel
-los universos individuales
-la poética de la imagen y la literatura visual
Salvador Cidrás, nos muestra el Mowgli moderno.
Máximo Pedraza, sus dibujos involuntarios de memoria
Céline Duval, los recuerdos tomados a otros
Gastón Pérsico, Cecilia Szalkowicz, los trufados de la imagen de moda y la imagen cinematográfica
Adrián Villar Rojas, las visiones de un pasado futuro
Mark Geffriaud, las geometrías estéticas entre otros.
El proyecto editado por el crítico de arte Mariano Mayer y el diseñador Iván Mezcua, responde a la voluntad de aunar en el tiempo y el espacio las obras de artistas que podrían existir “sueltos” o individualmente, pero que al hacerlos gregarios se convierten en una oportunidad para hacer relaciones sociales, para ver y ser visto. Y para “tocar” el papel de unas ediciones de artista fuera de su representación virtual u “on line”.
En la forma de estos diseños se ven ecos de la tendencia y la circunstancialidad actual, pero al leer gracias a la ventana que nos abre el artista podemos descubrir visiones que no son enfáticas de esa vista a la infancia, de esa inocencia aparente, de esa eterna adolescencia y que no hacen sino reflexionar sobre la sólida presencia del hombre hipermoderno intentando luchar contra la soledad extrema. Hoy aún en el desamparo de la madre al ser ya adultos y ante el desconsuelo de los amores temporales, es momento de reunirse y quererse.
Reunión y diálogo.
Román Padín Otero
El hecho de ser un ojo-man, o un anacoreta urbano, es literario y en cierto modo atractivo, pero no deja de ser una debilidad de nuestra era hipermoderna. Es necesario oponerse al hecho del superhombre individualista y conectar con los otros. Visitar exposiciones, leer libros de papel, diarios o semanarios que se puedan tocar y admirar ediciones de obras de artistas que sean tangibles físicamente.
En estos días hay varios eventos culturales que bien merecen nuestro desplazamiento del confort del salón y entrar en el ojo cultural del huracán. En el museo del Prado se exponen, en una muestra legendaria, armaduras junto a retratos de corte, de todo el Siglo de Oro español. Quizá pensemos que los cuadros de Tiziano o Velázquez, pueden verse sin las aglomeraciones del museo, en libros bien editados o en páginas virtuales de Internet. Sin embargo la posibilidad de ver físicamente la tridimensionalidad de una armadura y sus ricos matices, sólo puede conseguirse visitando el museo. Ahora es más que justificado, ¡por la moda belica!, entrar físicamente en el museo.
En el centro cultural Montehermoso de Vitoria, se está celebrando una proyección de un ciclo de vídeo llamado Contraseñas 8, entorno al feminismo y el hecho de lo diferente. El ciclo agrupa diversas video creaciones bajo el leitmotiv de los pasajes ocultos en el arte contemporáneo y permite ver filmes que representan a una mujer secando a su marido, un grupo de anguilas o una cantante que aparece enjaulada. Quizás estos vídeos podríamos verlos desde nuestras casas, pero el ciclo va acompañado de unas jornadas de debate, muy adecuadas para relacionarse socialmente y conocer las opiniones de los demás sobre el hecho creativo en vídeo hoy.
En el proyecto del Musac llamado Proforma, se pone en cuestión la función hasta ahora reconocida al centro de arte contemporáneo, como cubo blanco inmaculado y se pretende hacer un ágora dentro del museo. Si en el inicio del museo leonés hace cinco años, se ocupaban páginas de prensa gracias a la edición de catálogos y discos, actividades ambas que generaban un museo disperso, individualista. Ahora se fomenta el visitar el museo y participar dentro del mismo al crear una acción cultural en la que tres artistas, Sergio Prego, Txomin Badiola y Jan Michel Euba, hacen taller y cátedra en el edificio museal.
A su vez, la región de Murcia, que es donde ahora parece que ocurre todo en España, con el desarrollo de festivales, conciertos, conferencias y el centro de arte la conservera, se presenta ahora el llamado Dominó Canibal en la Sala Verónicas.
Una especie de cadáver exquisito, en donde un artista revisa y retoca y modifica lo que hizo el anterior. Desarrollando una idea de cooperación, colaboración y en definitiva socialización o relación humana.
Claro que esta afición e interés por crear grupo y relacionarse no es atribuible sólo a las instituciones, también los artistas generan en la actualidad proyectos reunidos. Como aquel legendario maridaje entre Warhol y Basquiat, ahora no son pocos los artistas que pintan y repintan juntos. Hace poco Jorge Perianes me enseñaba un cuaderno que serviría de base a un proyectos de pintura compartida en el que él junto al artista Nono Bandera y el pintor-escultor Enrique Marty, realizaban conjuntamente dibujos, caminitos, imágenes poema y criptogramas.
También en el mundo creativo de la moda, se interesa el hecho del grupo, no por ser más divulgado resulta más banal, pero la imagen de los jugadores de fútbol de las campañas de publicidad de Bikkermbergs, en cuyas fotografías aparecen un grupo de sólidos mocetones vestidos iguales con el aire de seguridad que aportan los colores del equipo. Sirve de reflexión sobre la utilización del concepto de la reunión y del calor humano en el lenguaje comercial del sistema de la moda y por ende en todos los lenguajes, pues la moda con su discurso hoy lo inunda todo.
Aún otro designer más elitista como Thom Browne, emplea en su propuesta para la firma Moncler, la estética del dormitorio y presenta a los modelos saliendo del vestidor común al despertarse y servir este ambiente de camaradería como decorado a una colección de ropas para el sport.
Todas estas circunstancias y aún otras muchas que se os podrían ocurrir a vosotros, ponen de manifiesto el deseo que hay en la actualidad de avanzar sobe los conceptos de individualidad, de generación ME, de generación Butt, y de la eterna identificación con el universo peterpaniano.
En esta presentación el Ateneo de Madrid, de la edición de pósters de artista titulada “Sueltos”. Se compendian obras gráficas que aúna el talento de artistas y sus reflexiones sobre el yo y otros extremos.
La suerte es que al tenerlos reunidos, nos permiten a nosotros mismos, participar como colectivo en esta convocatoria colectiva a artistas que apoya
-la edición
-el soporte sobre papel
-los universos individuales
-la poética de la imagen y la literatura visual
Salvador Cidrás, nos muestra el Mowgli moderno.
Máximo Pedraza, sus dibujos involuntarios de memoria
Céline Duval, los recuerdos tomados a otros
Gastón Pérsico, Cecilia Szalkowicz, los trufados de la imagen de moda y la imagen cinematográfica
Adrián Villar Rojas, las visiones de un pasado futuro
Mark Geffriaud, las geometrías estéticas entre otros.
El proyecto editado por el crítico de arte Mariano Mayer y el diseñador Iván Mezcua, responde a la voluntad de aunar en el tiempo y el espacio las obras de artistas que podrían existir “sueltos” o individualmente, pero que al hacerlos gregarios se convierten en una oportunidad para hacer relaciones sociales, para ver y ser visto. Y para “tocar” el papel de unas ediciones de artista fuera de su representación virtual u “on line”.
En la forma de estos diseños se ven ecos de la tendencia y la circunstancialidad actual, pero al leer gracias a la ventana que nos abre el artista podemos descubrir visiones que no son enfáticas de esa vista a la infancia, de esa inocencia aparente, de esa eterna adolescencia y que no hacen sino reflexionar sobre la sólida presencia del hombre hipermoderno intentando luchar contra la soledad extrema. Hoy aún en el desamparo de la madre al ser ya adultos y ante el desconsuelo de los amores temporales, es momento de reunirse y quererse.
Reunión y diálogo.
Román Padín Otero
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